Ich, der einzige UltraschallReporter, der nicht so hohes Interesse am praktischen Musizieren hat, wollte im Workshop zur Stimmkunst der Neuen Vocalsolisten etwas ganz anderes wissen als, wie man ungewöhnliche Töne singt. Ich habe zwar auch Spaß am Singen, bin aber in keinem Chor und dementsprechend selten dabei. Stattdessen bin ich Trainer eines Rudervereins, und während wir die Gesangstechniken so durchgingen, gab es etwas, das meine Aufmerksamkeit plötzlich erheblich steigerte. Nachdem wir bereits versucht hatten, die Obertöne der eigenen Stimme isoliert zu singen, beim Einatmen zu singen oder durch die Technik des Strohbasses eine Oktave tiefer zu singen, als wir eigentlich können, wurde das Thema Schreien angesprochen. In der neuen Musik soll das natürlicher klingen, als es bisher meist als lauter, eher gesungener Ton klang. Das heißt einerseits, dass es nun ein echter Schrei sein muss, andererseits resultiert daraus auch, dass das für die Sänger möglichst stimmschonend passieren muss.[ weiter lesen » ]
Neue Vocalsolisten verbessern Rudertraining
Musikalische Nahtod-Erfahrung
Als das Deutsche Symphonie-Orchester am Sonntag Abend zu spielen begann, hatte es eine kurze Erläuterung vorweg gegeben, sodass ich bereits einiges an Vorwissen über das Stück hatte. Es begann mit verhängnisvollen Glockenschlägen, die durch den komplett ruhigen Saal hallten. Ding dong. Kurze Pause. Ding dong. Pause. Ding dong. Ich merkte, wie ich eine Gänsehaut kriegte. Von da an war klar: dieses Werk brauchte eigentlich keine Einführung. Es sprach für sich. Die auf hohen Tönen vor Angst zitternden Violinen kündeten genauso eindeutig vom Tod wie die vor schlechten Vorahnungen brummende Bässe und das vom unabwendbaren Schicksal tönendes Blech. Ab und zu ertönen Schläge des Schicksals in verschiedenen Klangfarben; aus klanglichen Verdichtungen geradezu herausspringende Angst vor dem Unbekannten ergreift mich als Hörer.[ weiter lesen » ]
In versammelter Runde Knarzen!
Als wir in den Proben der Neuen Vocalsolisten sitzen, werden wir Zeugen der regelrechten „Instrumentalisierung“ der Stimme. Schwindelerregend höhe Töne, ausgerichtet in exakt austarierter Mikrotonalität, werden getragen von dem breit und tief klingendem Strohbass. Gefolgt von einem „BlubbBlubb“, welches sich wie eine Epidemie schließlich auf alle Stimmen auszubreiten scheint. Eine Ansammlung verschiedenster neuartiger Klänge wie dem Stöhnen, Zischen, Nölen, Hauchen, Hecheln und Schlürfen bilden einen intensiven Eindruck, was für die Stimme im Bereich des Möglichen liegt.
Nach der Probe dürfen wir selbst Interpreten einiger dieser Stilmittel zu werden. Doch bevor wir uns ganz der Stimme widmen, stellen wir (wie es unsere Natur ist) noch einige Fragen an das Ensemble. So finden wir heraus, dass anders als Phoenix16, das Ensemble, das wir vorgestern kennen gelernt haben, die Neuen Vocalsolisten schon seit 1984 bestehen! Damit hat das Ensemble einen beträchtlichen Teil der Entwicklung der neuen Musik mit er- und gelebt. Um diesen Wandel erklären zu können, holt der Tenor Martin Nagy geschichtlich etwas weiter aus. Die Avantgardemusik ging letztlich aus der Zeit nach dem 2. Weltkrieg hervor, welche versuchte, wieder den Anschluss an die Zwölftontechnik von Schönberg mit der seriellen Technik zu finden. Bis dahin, dass schließlich nicht nur Töne und Dynamik organisiert wurden, sondern auch Details wie der Ausdruck der Stimme. In den 50er Jahren entwickelten John Cage und Pierre Boulez das Prinzip des kontrollierten Zufalls; dass sie, vereinfacht, keinen Unterschied in der kontrollierten und unkontrollierten Musik mehr empfanden.
Daraus entstand die Aleatorik. Dies war letztlich der Stilbruch von Überorganisation zur Improvisationskunst, sagt Martin. In dieser Zeit formierten sich die Neuen Vocalsolisten aus damaligen Studenten, welche ihre Stimme bis an die Grenzen erprobten. „Da war es völlig normal, dass man abends stockheiser nach Hause gegangen ist, weil man die verschiedensten Techniken ausprobiert hatte und auch noch nicht konnte.“, erinnert sich lächelnd Martin Nagy, das älteste Mitglied des heute sechsköpfigen Ensembles. In der Musik habe sich aber allmählich ein Elfenbeinturm entwickelt, welcher für die Zuhörer und schließlich auch für viele Interpreten eher hässlich und nicht mehr nachvollziehbar wurde. So fing man in den 90 Jahren wieder an, auf die ästhetischen Werte des Gesangs zurückzugreifen und gleichzeitig mit dem Neuartigen dieser Musik eine Balance zu schaffen. Auf dieser Art waren und sind Komponisten bemüht eine neue Ästhetik mit den ausgefallensten Musiziertechniken zu schaffen.
So können Sänger, wie wir selbst, ausprobieren, mit einem tief gesummten „ng“, einem breiten Lächeln auf dem halb geöffneten Mund und einem anschließend langsamen Formen der Lippen zu einem „o“ zumindest die ersten drei Töne der Obertonreihe produzieren! Nach ausgelassenen Versuchen am „Stohbass“ (der wie ein Knarzen klingt), Staunen, zu was unsere Stimme fähig ist, wenn man sie rückwärts benutzt und nach einer Anleitung zum richtigen Schreien, war uns allen ein komplett neuer Blick aufgetan worden, wie wir unsere Stimme nutzen können. Doch bei allem geweckten Tatendrang mahnten uns die Neuen Vocalsolisten zu Vorsicht. All diese Modi zur Benutzung unseres filigranen Klangerzeugers sollte man anfangs in Maßen benutzen. Aber, falls man sich der Modi bedient – nie mit falscher Angst!
Mich selbst hat dieser Workshop sehr geprägt. Nun spreche ich zu Hause wie ein Verrückter vor mich hin, male glissandi-Landschaften vor mein musikalisches Auge, quäke wie ein kleines Kind und knarze, was das Zeug hält. Vielleicht finde ich ja mit etwas Glück einen neuen Weg, Klänge zu produzieren.
Das Kunstlied hat’s immer noch drauf
Wie die meisten Leser dieses Blogs wahrscheinlich wissen, hat sich Ultraschall Berlin 2017 die Stimme in all ihren Facetten als Schwerpunkt des Programms gesetzt, und natürlich gibt es eine riesige Bandbreite an Dingen die man mit der Stimme machen kann. Trotzdem darf, wenn man sich mit Thema Stimme beschäftigt, eine musikalische Form nicht fehlen: das Lied oder noch genauer, das Klavierlied. Natürlich interpretiert das Klavierlied die Stimme in einer eher herkömmlichen Form, dem Gesang. Trotzdem standen Wolfgang Rihms Liederzyklen, die am Samstagnachmittag erklangen, anderen Werken der neuen Musik in ihrer Emotionalität in nichts nach. Vergleichsweise alt wirken die Lieder, obwohl es beim Festival noch deutlich ältere Stücke gab. Doch für mich persönlich hat dieses Konzert nur noch einmal unterstrichen, dass auch das Lied seinen Platz in der neuen Musik hat.[ weiter lesen » ]
Workshop mit den Neuen Vocalsolisten
Schon bei der Probe des Stückes „Stroh“, das 2012 von Carola Buckholt komponiert wurde, fiel mir eine Gesangstechnik auf, die eher nach dem Knarzen einer Tür, als nach der menschlichen Singstimme klang. Obwohl… Ich konnte mir eigentlich beim besten Willen nichts vorstellen, das so klang (Türen klingen anders). Und doch passte die Technik irgendwie in die Komposition. Sie gab dem Stück eine gewisse Erdung und schien die hohen sopranistischen Klänge auf sonderbare Art mit dem Boden zu verbinden.
Erst der Workshop, den die Vokalsolisten uns am Freitagabend gaben, brachte Licht in die Dunkelheit. Als wir nämlich danach fragten, wie denn dieses seltsame Geräusch erzeugt worden sei, zeigte uns Guillermo Anzerona (Bariton) nur die Partitur, zeigte auf eine Notenverbindung und sagte: „Strohbass.“ Ob unserer verwirrten Gesichter zufrieden, grinste er und erklärte dann, dass der Strohbass eine Gesangstechnik sei, bei welcher der Sänger zwei Töne gleichzeitig singen könne. Einen hohen, klaren und einen tiefen, „knarzigen“.[ weiter lesen » ]
Täglich gebraucht und doch so unbekannt
Auf der Bühne des Radialsystems sitzt der Schauspieler Gerd Warmeling und vor ihm steht ein Lesepult. Um ihn herum ist das Licht zu einem kastenförmigen Kegel gerichtet. Er liest aus Dieter Schnebels Werk „Sprech- und Gesangstechniken“ eine etwas gekürzte Passage. 1970 schrieb Dieter Schnebel diese „wissenschaftliche Arbeit“ über die Emanzipation der Stimme in der Vokalmusik des vergangenen Jahrzehnts. Keuchen, Lallen, Schreien, Murmeln, Flüstern – alles beachtet er und nimmt die Entstehung der Vokale und Konsonanten in Verbindung mit Lauten, die entstehen, sobald wir den Mund öffnen, genauer unter die Lupe. Es sind oft unerkennbare, sinnlose Laute, die Menschen von sich geben, doch Schnebel versucht sie auseinander zu nehmen und die Entstehung zu erklären. Der Körper ist unser persönliches Musikinstrument, welches wir täglich nutzen, nur nutzen viele es unbewusst und dadurch nicht voll ausschöpfend. Die Stimme wird entfesselt und sobald wir den Mund öffnen, kommen, in welcher Weise auch immer, Ton- und Klanggebilde zustande.[ weiter lesen » ]
„Wie Butter in der Stimme“ – ein Gespräch über Liedgesang
Nach der Rihm-Liedmatinee führt der Festivalleiter Andreas Göbel ein Gespräch mit Christoph Prégardien und seinem Pianisten, Christoph Schnackertz. Weil uns das Konzert sehr gut gefallen hat und wir gerne mehr über die beeindruckend gute Zusammenarbeit der beiden erfahren wollen, folgen wir dem Strom der Besucher in einen Nebensaal des Radialsystems und nehmen Platz. Schon nach wenigen Minuten kommen auch die Künstler herein.
Wie zu erwarten, drehen sich die ersten Fragen um die Zusammenarbeit von Komponist und Künstler. Nach nur einem Konzertbesuch habe Wolfgang Rihm Prégardiens Stimme schon derart analysiert gehabt, dass seine Kompositionen „wie Butter in seiner Stimme“ seien, so der Sänger. Auch wenn sie musikalisch sehr anspruchsvoll sind, seien sie passgenau auf seinen eher baritonalen Tenor abgestimmt und daher für ihn gut zu singen. Die Liederzyklen verfügen nämlich über einige für einen Tenor relativ tiefe Passagen, die Herr Prégardien aber mit genauso viel Überzeugung und Kraft zu singen vermag wie die eher höher angelegten Stellen. Kraft, das ist ein anderes Stichwort, das fällt. Solche Lieder zu singen, sei nämlich physisch sehr anstrengen. Gerade im Zyklus „Ende der Handschrift“ seien die langsamen Passagen im Piano nur mit großer Spannung zu bewältigen. Er erklärt auch, dass er deshalb vor dem Konzert nur Wasser trinke, während es danach auch mal ein Glas Bier sein darf. Dann schmunzelt er und zeigt auf das Glas Wasser vor ihm, woraufhin ihm ein stattdessen ein Bier gebracht wird. So etwas könne man schließlich als Veranstalter nicht auf sich sitzen lassen, sagt die Dame, die es für ihn holen geht.[ weiter lesen » ]
Mischa Käsers „Lava“ überrollt den Heimathafen
Gespannte Stille herrschte im Heimathafen Neukölln, die Blicke des Publikums ruhten erwartungsvoll auf dem sympathisch wirkenden Mann, der alleine auf der Bühne stand und ins Publikum blickte. Der „Prolog“ des Stückes hatte bereits stattgefunden, doch was war nun von diesem Menschen zu erwarten, der gerade mit einer leuchtenden Apparatur auf dem Kopf dagestanden hatte, während eine allen wohlbekannte Melodie erklang? Ich war vermutlich nicht die Einzige, die zunächst überrascht war, als in meinem Kopf der Text „Sandmann, lieber Sandmann“ wie automatisch parallel zu dieser Melodie ablief und ich mit Erstaunen feststellte, dass es sich tatsächlich um genau diese Melodie handelte. Sollte man lachen, wie es einige taten, oder hatte das ganze einen tieferen Sinn, über den man besser nicht zu lachen wagte? So genau wusste das in diesem Moment wohl keiner, und genauso wenig wagte man zu spekulieren, was als nächstes kommen würde. Während ich auf rationaler Ebene Experimente mit der Stimme erwartete (so hatte es schließlich im Programmheft gestanden), blieb mir unterbewusst dennoch die Erwartung, dass ein Mann, der sich alleine vors Publikum stellt, anfängt zu reden. Einfach zu reden, also gewohnte Laute von sich zu geben, meinetwegen auch zu singen.
Als Mischa Käser dann begann, war sofort klar: Nein, reden konnte das nicht genannt werden.[ weiter lesen » ]
Tanz den Päärme
Die Uraufführung von „Overture“, ein Stück von Allan Gravgaard Madsen, das den Hörer mitnahm in die schroffen Weiten des Skandinavischen Nordens bildete den Auftakt für eine 60-minütige Reise des „ensemble recherche“ in eine wundersame Welt.
Während die Klänge sich langsam zu großen Landschaftsbildern vereinten, saß ich am äußersten Ende des großen Saales im Radialsystem und durfte dabei zusehen, wie die Techniker Licht und Mikrofone steuerten. Immer wieder beeindruckt mich die Fülle der Knöpfe, die diese Männer kennen müssen und bis heute glaube ich nicht daran, dass jeder der Schieberegler eine Bedeutung hat. Trotzdem waren die Einblicke, die ich hinter die Mischpulte bekam, unglaublich spannend. Hier werden Ton, Videozuspiele und Licht koordiniert, erklärte mir der Cheftechniker Jörg Bittner. Was ich am coolsten fand: Einige der Regler bewegten sich einfach von selber und dann klang das, was sich unten sowieso schon toll anhörte, noch besser. Eine tolle Erfahrung.[ weiter lesen » ]
Das Neue im Alten
In unserem heutigen Verständnis von moderner Musik definieren wir sie als direkten Nachfolger der Spätromantik vertreten durch Wagner und Schönberg. Doch Daniel Gloger wies mich in folgendem Interview auf die überraschend starke Verbindung zwischen neuer Musik und Kirchenmusik hin.
Sie haben mit Kirchenmusik angefangen und sind Countertenor geworden weil sie diese außergewöhnliche Benutzung ihrer Stimme interessiert hat. Wie hat sich bei ihnen die Verbindung von Kirchenmusik zur neuen Musik aufgespannt? Wie sind sie dahin gekommen?
Es war so, dass ich in Stuttgart, damals als ich noch sehr jung war – 17 Jahre alt – einen ganz großartigen Chorleiter hatte. Manfred Schreier, mit den Neuen Vokalsolisten auch in anderen Zusammenhängen musikalisch tätig war. Er war auch Kirchenmusiker. Für ihn fielen zum Beispiel die Musik von Dieter Schnebel oder eben auch neue Musik in der Kirche unter das Genre Kirchenmusik. Auch die Musik Luigi Nonos, von dem man das ohne weiteres vielleicht nicht vermuten würde, dass er dort hin passt. Aber er passt klanglich extrem gut. Manfred Schreier hat immer Programme gemacht, die das gesucht haben und immer diese Verbindungen zwischen Kirchenmusik und neuer Musik hergestellt. Deswegen ist es halt gerade so, das diese historische Musik, die ich gemacht hab, sehr viel krasse Sachen beinhaltet. So die Musica Ficta, Musik von der man gar nicht so richtig weiß, wie man die aufführen soll. Stücke, die man mit reinem Intervallen singt. Auch da existiert ja das Phänomen der Mikrotonalität. Es gibt ja die Mikrotonalität in der alten Musik auch. Sie heißt da nur anders.[ weiter lesen » ]
Phoenix16 – How soon is now?
Ist es möglich, das Wort „Jetzt“ in Jetztzeit zu sagen? Und ist es dann ‚jetzt‘? Wie lange dauert ein ‚Jetzt‘ überhaupt? Mit komplett Monotoner Stimme werden diese Sätze vorgetragen. Der Akteur scheint komplett unbeeindruckt davon, dass er gerade möglicherweise das gesamte Gegenwartsbewusstsein des Publikums durcheinander geworfen hat, kein Wunder denn er ist ja auch ein Lautsprecher. Alles was uns in den nächsten 5 Minuten vorgetragen wird kommt aus einem Zentral auf der Bühne stehenden Verstärker. Dieses Stück vom serbischen Komponisten Vladan Radovanović ist Philosophie, Konzeptkunst und Performance zugleich und spielt inhaltlich eine zentrale Rolle für das gesamte Programm „Balkanroute“.[ weiter lesen » ]
Weltreise
Enno Poppe hat während seiner Zeit als Korrepetitor gelernt, wie vielseitig die Stimme sein kann. Eigenschaften, die andere als schlecht oder abwertend empfanden, hat er für seine Kompositionssprache entdeckt. Beispielsweise die Art, wie die Stimme bei Älteren stärker vibriert und dadurch andere Tonumfänge hat, dies nutze er für sich. Durch Umgestaltung, wie die Zerrung dieser Vibration, entstanden für ihn neue Möglichkeiten, eine wellenförmige Melodie zu komponieren.
Alleine steht Daniel Gloger, als Countertenor, mit dem Stück „Wespe“ von Enno Poppe auf der Bühne des Heimathafens und singt mit Ruhe, die seinen ganzen Körper durchströmt, nichts bewegt sich, nur sein Kiefer und Mund. Ein ganz besonderes Spektakel der stimmlichen Möglichkeiten, die auf mich wirken wie ein Herzschlag oder vielleicht auch ein Kind mit Schluckauf. In der Art, wie Gloger singt, wirkt er auf der Bühne wie ein kleiner Junge, der nach dem richtigen Weg sucht, seinen Gedanken und Gefühlen Ausdruck zu verleihen.
Danach folgt Katharina Bäuml mit der Schalmei. Jüri Reinveres Werk „Die Krone von Gneixendorf“ ist inspiriert von der Musik von Beethoven, was auch im Stück ganz deutlich hörbar ist. Ästhetisch anmutend und wohlig klingend, webt Katharina Bäuml einen Faden, der sich durch den ganzen Raum zieht. Vorerst ist nur der Klang der Schalmei in einer sphärischen Melodie zu hören. Das ganze Stück klingt wie viele Kontinente, die miteinander verbunden wurden. Die Schalmei spielt, als wäre sie mal in Afrika, wo man den Schreien der Hyänen folgen kann und dann plötzlich wieder am Wasser. Einzelne Tropfen, Wasserplätschern hört man durch Geräusch-Einspielungen. Es wirkt, als würde Katharina Bäuml mit der Schalmei das Wasser führen, indem sie sich zur Seite dreht und auch mit dem Rücken zum Publikum steht. Nach dem Wasser folgen Glocken, Kinderstimmen und unruhige Hintergründe, als würde man sich in einer großen Stadt befinden, mitten in einer großen Menschenmenge. So führt die Schalmei, manchmal fragend und manchmal sagend, zu einem Abschluss des Werkes, als Bäuml ihre Hand hebt, noch einen Takt spielt und dann die Einspielungen zur Beruhigung und zum Stillstand bringt. Dann ist alles um sie herum still.
Kriegsgebiet aus Klang
Der Raum, in dem wir uns befinden, ist noch hell, als wir Platz nehmen. Vorne sitzen die zwölf Sängerinnen und Sänger auf der Bühne, auf dem Podest des Dirigenten steht Timo Kreuser, der künstlerische Leiter des Ensembles PHOENIX 16. Er gibt noch kurz Anweisungen, dann verlässt er die Bühne. Aus dem hinteren Teil des Raumes tönt seine Stimme: „…und – black!“ Alle Lichter verschwinden. Im nächsten Moment geht die Welt unter.
Zuerst nimmt man nur ohrenbetäubenden Krach wahr. Durch die Dunkelheit wird der Gehörsinn geschärft und die maschinellen Geräusche hämmern in unmenschlicher Lautstärke auf einen ein. Sie sind unausweichlich, unnachgiebig. Dann kommt das Licht dazu, doch auch das bietet keinen Schutz. Es ist kalt, manchmal zuckt es wie Blitze um einen herum, manchmal bewegt es sich in so unkontrollierten Formen, dass man das Gefühl hat, der ganze Raum werde aus den Fugen gehoben. Und manchmal hat man das Gefühl, dass es ein Suchscheinwerfer ist, der versucht einen zu finden, um einen komplett auszuliefern und wie auf dem Präsentierteller hinzulegen, ohne Möglichkeit, sich zu verstecken.[ weiter lesen » ]
Platz für die Musik?
„Ich baue ein Haus aus Zeitproportionen und Klängen und hoffe, dass die Musik einzieht.“ Mit diesen Worten charakterisiert Erhard Grosskopf die Kompositionsweise seines Stückes „Klangwerk“. Beim Schreiben, so sagt er im dem Konzert vorausgehenden Gespräch, spielen selbstgeschriebene Computerprogramme eine Rolle und viel Mathematik. Die Zahlen 3, 5, 9, 15 und 27 werden in verschiedenen Kombinationen erwähnt. Ich bezweifle, dass sich die Theorie hinter diesem Werk dem Publikum wirklich erschlossen hat, doch zum Nachdenken bringt es auf jeden Fall. Es erweckt den Eindruck kompletter Durchstrukturiertheit und scheint keine große Deckungsfläche mit den blumigen Worten zu haben, mit denen Grosskopf seine Musik zuvor beschrieb. „Ein Haus, in das die Musik einzieht“, doch wenn man jeden noch so kleinen Ton durchplant, ist dann überhaupt Platz für die Musik?
Wenig später im Konzert wird diese Frage irrelevant, allein schon weil die Musik zu fesselnd ist um überhaupt noch über diese Fragen nachzudenken. Mein Plan war eigentlich, mir Notizen zu machen, das Werk genauestens wahrzunehmen und vielleicht die genannten mathematischen Verfahren wiederzuerkennen. Am Ende tat ich nichts davon, sondern ließ mich einfach von der Musik treiben. Es war kein Haus, oder es fühlte sich zumindest nicht wie eines an. Aber es war auch kein durchstrukturiertes Raster, das allem bis ins kleinste Detail Fesseln anlegte. Sowohl für das eine als auch für das andere fehlten die Grenzen. Es gab kein Oben und kein Unten, kein Vorne und kein Hinten. Auf mich wirkte es einfach wie Raum. Ein großer leerer Raum, in dem geometrische Formen erschienen und wieder versanken, in dem Klänge immer wieder an- und abschwollen. Eine weite Leere aus Klang, in dem Paukenschläge und wenige Solostellen des Klaviers die einzigen abrupten Bewegungen waren. Es war unaufgeregt, aber nicht langsam und schien die Zuschauer in eine Art Trance zu versetzen. Nach den wenigen Minuten, die es brauchte, sich in den klirrenden, zerbrechlichen Klang einzuhören, die vor allem von den hohen Bläsern erzeugt wurden, ließen einen die Momente, in denen es keine Reibungen gab, suchend zurück, der Klang wirkte unvollständig. So sehr hatte das Stück einen in seinen Bann gezogen.[ weiter lesen » ]
Ein kurzes Gespräch mit Marc Sabat
Im Café des Neuköllner Heimathafens begegne ich, kurz nach der Uraufführung von „Asking Ocean“, dem Komponisten des Stückes. Vor mir steht ein sympathisch wirkender Mann mit rundem Gesicht, wilden, halblangen Locken und einer imposanten Hornbrille auf der Nase. Man hätte wohl sofort erkannt, dass dieser Mann ein Künstler ist, selbst wenn man ihm nur einmal kurz auf der Straße begegnet wäre. Immer noch von seinem Stück begeistert, gehe ich auf ihn zu und gratuliere ihm zu seiner gelungenen Uraufführung, bevor ich ihn frage, warum das Stück denn so lang gewesen sei. Denn die 40 Minuten, die gespielt wurden, wirkten auf mich dann am Ende doch sehr in die Länge gestreckt und trotz der Tatsache, dass „Asking Oceans“ unglaublich ausdrucksstarke Passagen enthielt, hätte es meiner Meinung nach auch 20 Minuten kürzer sein können.[ weiter lesen » ]